Nestálý Picasso: jakým stylem slavný umělec maloval

Picasso rád experimentoval. Vášeň pro malbu a zvláštní vidění okolního světa vedly umělce k vytvoření vlastního směru – kubismu. Picasso strávil deset let jeho řezáním a pracoval na něm více než 70 let. Je snadné předpokládat, že cesta umělce nebyla omezena na kubismus.

Realismus

Na počátku svého uměleckého vývoje maloval Picasso realistické obrazy. Stačí se podívat na portrét umělcovy matky, který vytvořil v roce 1896. Na plátně vidíme profil ženy s dobře definovanými rysy obličeje. Zdá se skutečná. Ani náznak avignonských mladých dam, které by o 11 let později otřásly světem. Picasso mezitím zkouší realismus a snaží se do něj vnést svou vlastní vizi světa. A dělá to pomocí barev.

„Modré“ období v Picassově díle začalo obrazem „Modrý pokoj“. Na počátku 20. století si umělec zbožňoval modrou barvu a maloval plátna jejím prizmatem. Portréty z té doby berou různé odstíny modré, od světlé po tmavou. Už je tu tendence přesouvat se do roviny, ale snímky ještě neztratily realističnost. Typickým příkladem toho období je „Autoportrét“.

V roce 1904 dal Pablo přednost růžovým odstínům a na dva roky z nich udělal přední místo v paletě. Toto období jeho práce dostalo příslušné jméno – „růžová“. Je zajímavé, že obsah maleb napsaných v této době se shoduje s psychologickými charakteristikami růžové barvy. Picasso udělal z klaunů a karnevalových umělců hrdiny svých děl. I když se nedá říct, že zažívají radost a inspiraci. Témata osamělosti a zoufalství, která jsou „modrému“ období vlastní, nezmizela.

Pozoruhodným dílem „růžového“ období je „Portrét Gertrudy Steinové“. Žena umělci, který nebyl s vyobrazením její tváře vůbec spokojený, dlouho pózoval. V důsledku toho ji překreslil a vytvořil zdání masky s vypoulenýma očima a hladkým čelem. Do kubismu zbývá rok.

Kubismus

Kubismus v Picassově životě začíná „africkým“ obdobím. Inspirován národními maskami afrických národů, umělec zjednodušuje malby do primitivních forem. Tváře hrdinů jeho děl jsou drsné a maskované. Pozoruhodným příkladem je Les Demoiselles d’Avignon, který ohromil i ty, kteří vždy Picassa bránili.

Netradiční vidění světa kolem něj z umělce vyvrhele neudělalo. Naopak jeho kubické portréty a krajiny byly ruskými a německými sběrateli dobře přijaty. Období, kdy byl malíř v nouzi, pominulo.

Picasso v kubismu spoléhal na formu, s jejíž pomocí se snažil zprostředkovat obsah. Zajímavý je v tomto ohledu Portrét Ambroise Vollarda z roku 1910. Za rozptýlenými geometrickými obrazci vidíme mužskou tvář a jeho oblečení. Vypadá neobvykle a přísně zároveň.

Umělec se tam nezastaví a své obrazy proměňuje v koláže. V Muzeu moderního umění v New Yorku se nachází obraz „Kytara“, namalovaný v roce 1913. Nebýt názvu obrazu, bylo by těžké uhodnout, co chtěl Picasso zobrazit pomocí útržků novin a tapet.

Surrealismus

Picasso začal malovat obrazy na hranici snu a reality, která je typická pro surrealismus, na počátku 20. let minulého století. Jeho díla připomínala podivná amorfní stvoření, monstra, která měla ženské rysy. Vědci se domnívají, že umělce „inspirovalo“ k vytvoření takových obrazů obtížné období ve vztahu s jeho manželkou Olgou Khokhlovou. Žárlivost, podráždění a lhostejnost vedly Picassovo štětec a zaměstnaly jeho mysl.

V roce 1927 se malíř seznámil s mladou blondýnkou Marií-Therese Walterovou. Vnesla do jeho surrealistických obrazů jemnost. Napjaté linie se staly hladkými a klikatými, celková nálada se změnila v něhu.

Picasso vytvořil, aby potěšil své pocity. Nalil na plátno emoce, dal jim tvar a barvu, učinil je hmatatelnými. Jeho malířský styl mu také pomohl vyjádřit se.

Zdá se, že Picasso zjednodušil svůj malířský styl na primitivní linie a barevné skvrny, ačkoli začínal s klasickými plátny. Ale vždy je snadné usuzovat zvenčí. Není snadné si představit člověka jako soubor geometrických obrazců a s jejich pomocí zprostředkovat jeho náladu. Ještě obtížnější je ale nabídnout nové vidění světa nepřipravené společnosti. To je odvážný krok. To dokáže jen umělec, který věří ve svou kreativitu. Tímto odvážným umělcem byl Picasso.

Blog In Interior 2021-04-05 2025-02-10 Nestálý Picasso: jakým stylem slavný umělec maloval

Na začátku 20. století udělal Picasso revoluční změnu v umění. Neúnavně hledal nové formy, aby zprostředkoval svou jedinečnou emocionální vizi. Výsledek však pro něj byl vždy mnohem důležitější než samotné hledání. Jak umělec rád opakoval: “Nehledám, nacházím.”

Pablo Picasso je pozoruhodně všestranný a plodný. Proslavil se především jako malíř, ale také vynalézavý sochař, talentovaný scénograf, vynikající kreslíř, lept a keramik. Podle Muzea moderního umění (New York) Picasso během svého života vytvořil asi 20000 XNUMX děl.

Picasso pracoval s fenomenální rychlostí. Jak sám přiznal, v prvních letech svého života v Paříži mohl namalovat až tři obrazy denně. Působivý příklad, téměř osm metrů široká Guernica, vznikla za pouhých šest týdnů.

Mozaika stylů

Picasso po sobě zanechal obrovské dědictví – asi 20000 XNUMX děl, provedených v široké škále stylových stylů. Přestože Picassova kariéra je obvykle rozdělena do samostatných fází, jeho myšlenky a ruka tvořily takovou rychlost, že umělec ve snaze o nové jakoby předběhl sám sebe. Řekl: „Několik stylů, které používám ve své práci, by nemělo být vnímáno jako evoluce nebo jako hledání ideálu. Když chci něco vyjádřit, dělám to bez přemýšlení o minulosti nebo budoucnosti. “.

Picasso skutečně se záviděníhodnou lehkostí přešel od téměř abstraktních, zdeformovaných obrazů k realistické kresbě, v níž nebyl horší než nejlepší kreslíři 19. století.

Zdroj inspirace

Picasso pečlivě studoval mnoho uměleckých systémů. Někdy práce jiných umělců ovlivnily jeho vlastní styl. V raném obraze „Les Demoiselles d’Avignon“ lze tedy najít ozvěnu Cezannových „Tří lazebníků“. Dalším zdrojem inspirace, který měl na Picassa obrovský vliv, byly předměty vystavené na pařížské výstavě primitivního umění národů Afriky a Oceánie v roce 1907. Picasso přiznal, že tuto výstavu vnímal jako zjevení. Zaujaly ho zejména zdeformované proporce postav a dvourozměrné zobrazení tváří, jako na této rituální masce ze střední Afriky.

Práce pro divadlo

V roce 1916 pozval Jean Cocteau Picassa, aby navrhl balet Parade, nastudovaný na hudbu Erika Satieho ruským choreografem Sergejem Diaghilevem. Diaghilev vášnivě věřil, že balet by měl být syntetický a měl by spojovat všechny formy umění. Pro Parade vytvořil Picasso spouštěnou oponu a kostýmy postav, kterým se v baletu říkalo „manažeři“. Kostým amerického manažera byl mrakodrap zobrazený v neoklasicistním stylu.

Zrození kubismu

Další citát od Picassa: “Maluji předmět tak, jak si ho představuji, ne jak ho vidím.” Tato fráze vyjadřuje celou podstatu kubismu, kterou vytvořil Picasso ve spolupráci s Georgesem Braquem. Byl to kubismus, který přinesl Picassovi celosvětovou slávu a měl obrovský vliv na vývoj celého umění 20. století. Slavný historik umění John Golding napsal, že “kubismus, který přinesl úplnou a radikální revoluci v malířství, je pravděpodobně nejdůležitějším a nejvýznamnějším fenoménem v umění od renesance.”

Samotný název tohoto směru se objevil náhodou. Toto slovo poprvé použil kritik, který posměšně napsal, že v jeho obrazech Braque vše redukuje na „kostičky“.

Picasso a Braque tento termín přijali, přestože předměty na obrazech kubistických umělců nejsou rozmístěny v kostkách, ale spíše na hranách. Nejrevolučnější věcí na kubismu bylo odmítnutí tradiční evropské malby zobrazování předmětů z jednoho úhlu. Nyní byly k zobrazení předmětu použity různé úhly pohledu současně. V důsledku toho umělec ukázal, z čeho se objekt skládá, a ne jak vypadá „tady a teď“.

Následovníci Picassa a Braquea se naučili rozkládat předměty do forem a přemisťovat je tak, aby jejich obrazy nebyly oknem otevřeným do světa, ale rovinou vyjadřující umělcovo vnímání předmětu.

Témata a variace

Braque a Picasso nevynalezli nový směr v malbě přes noc. Myšlenka kubismu postupně dozrávala v letech 1907 až 1914 (s vypuknutím války byl Braque mobilizován do armády). Jejich nejužší spolupráce byla mezi 1910 a 1912. V této době byla díla Braquea a Picassa tak podobná, že i pro odborníky bylo někdy obtížné říci, kdo z nich maloval konkrétní plátno.

Rané stadium kubismu (do roku 1911) se často nazývá analytický kubismus. Braque a Picasso analyzovali tvary objektů a poté je přenesli na plátno. Pozdní stadium kubismu se nazývá syntetický kubismus. Umělci „syntetizovali“ obrazy, často s použitím hotových materiálů. Myšlenka, že obraz lze vyrobit z jakéhokoli materiálu, včetně látky, kusů kovu nebo dřeva, byla na svou dobu skutečně inovativní.

Neoklasicismus

Po první světové válce strávil Picasso většinu času prací na jihu Francie. To bylo období neoklasicismu, který zahrnoval zobrazení masivních, sochařských těl. Umělec mohl být ovlivněn středomořskou kulturou (v roce 1917 si Picasso prohlédl fresky Pompejí) a jak se někteří kritici domnívají, Ingresem, velkým mistrem přesné linie. Obraz “Let” byl později reprodukován na závěsu vytvořeném Picassem pro Diaghilevův balet “Modrý vlak”.

Primitivismus

Obraz “The Ball Game” z roku 1928 dokonale ilustruje Picassovu plynulost v různých stylech malby. Šest let po “The Run” Picasso znovu zobrazuje velké postavy na pozadí mořské krajiny, ale nyní jsou klasické proporce a rafinované formy nahrazeny primitivními “dětskými” postavami. Barva byla reformována podle stejného principu. Tento obraz je jen jedním z mnoha podobných pláten, které Picasso namaloval v letech 1928 a 1929, když byla jeho rodina na dovolené na pobřeží Normandie ve Francii.

Picasso opakovaně říkal, jak moc obdivuje primitivní umění a dětské kresby. Jednou řekl: „Když jsem byl v jejich věku, uměl jsem kreslit jako Rafael. Trvalo mi celý život, než jsem se naučil kreslit jako oni.“

Kubistická revoluce

Zátiší s proutěným křeslem, namalované v roce 1912, bylo prvním obrazem, který byl považován za syntetický kubismus. Syntetický kubismus zahrnuje použití skutečných prvků, nikoli těch, které nakreslil umělec, jako jsou běžné noviny. Jedná se o obraz s dvojím překvapením, protože to proutěné křeslo není skutečné – jeho design je vytištěn na plátně. Jestliže v analytické fázi svého vývoje byl kubismus sám o sobě radikální inovací, pak v syntetické fázi se stal ještě odvážnějším. Od renesance malovali evropští umělci to, co viděli. Nikoho z nich nenapadlo rozložit objekt na jeho vnější prvky a kompozičně je spojit. Picasso a Braque se vydali přesně touto cestou a rozvinuli tradiční myšlenky.

Syntetický kubismus umožňoval rebelujícím umělcům používat jasnější barvy. Dříve byly omezeny rámcem analytického kubismu, v němž byla klíčová forma (nikoli barva). Nyní byla paleta kubistů kromě dříve dominantních šedých a hnědých tónů doplněna o zářivé barvy. Analytický kubismus využíval spíše úzkého okruhu témat, omezujících se především na kavárenský život. Překročení těchto limitů bylo vzácné. Příkladem tohoto přístupu jsou portréty vytvořené Picassem, například portrét obchodníka s uměním Ambroise Vollarda.

Při tvorbě kubistických obrazů se Braque a Picasso obvykle omezovali na úzký okruh témat a žánrů (z těch posledně jmenovaných preferovali zátiší). Umělci většinou zobrazovali jednoduché, „nadčasové“ předměty a formy, aby si divák mohl lépe představit, z jakých forem se známý předmět skládá a jak lze tyto formy přeskupit.

Kubista Picasso hodně pracoval s lidským tělem, i když někdy maloval portréty kubistickým způsobem. Měl bystré oko a dokázal vytvořit působivé obrazy. Později se umělec opakovaně obrátil k mytologickým tématům. Zvláště ho přitahovaly mýty o Minotaurovi, který byl napůl člověk a napůl býk.

Rytina

Během svého života Picasso vytvořil více než 2000 rytin. Mnohé z nich byly zahrnuty do tzv. “Vollard Suite” (1930. léta XNUMX. století) – zejména “Minotaur Stripping a Woman”. Kromě toho se Picasso zabýval litografií a linorytem. Picassovy tisky se liší náladou a stylem, od vytříbených raných tisků po odvážně vykreslené pozdější. Linoleum umožňuje získat velké a jasné obrázky, protože je mnohem snazší vyřezat vzorek na jeho povrchu než na dřevo nebo kov. To vysvětluje Picassovu náklonnost k této technice – vytvořil v ní celou sérii plakátů a vynalezl způsob, jak aplikovat několik barev ze stejného klišé.

Picasso a politika

Guernica se stala výrazem protestu proti občanské válce zuřící ve Španělsku. Picasso byl šokován událostmi druhé světové války, což je jeden z důvodů, proč v roce 1944 vstoupil do francouzské komunistické strany. V poválečném období maloval umělec mnoho obrazů se zjevným politickým podtextem. Freska „Mír“ (1952) je jednou z nich.

Formy a pocity

Picasso teoriím příliš nevěřil a řekl: „Když milujeme ženu, nezačneme jí měřit končetiny. Milujeme ji svými city.” Snažil se vyjádřit své emoce co nejživěji a nejpříměji. Technika deformace lidské postavy vždy fungovala přesně k vyřešení tohoto problému.

Charakteristickým rysem Picassova uměleckého systému byl rozklad lidského těla na části. Pohyb očí, uší, úst a nosu v prostoru umožnil umělci vyjádřit své pocity akutněji a přiměřeněji.

Mnohá ​​Picassova díla jsou autobiografická, a to platí především pro portréty žen, které umělec miloval. Některé z těchto obrázků jsou zjevně erotické. Za to byl Picasso chválen i odsouzen. Některé Picassovy pozdější ženské obrazy se vyznačují hrubou agresivitou, jiné jsou však malovány s překvapivou něhou.

Pracovní metody

Paradoxně Picasso, inovátor v umělecké technice, byl často značně konzervativní. Rád maloval olejem na plátno, někdy dával přednost dřevu nebo kartonu. Na malé obrazy jsem použil papír a vodové barvy. Picasso však bez váhání odmítl tradiční metody, pokud se pro něj staly řetězy. To platí zejména pro kubistické obrazy. Aby vytvořil texturovaný povrch, odvážně smíchal barvu s pískem nebo pilinami. Umělec maloval své obrazy nejčastěji na stole, nikoli na stojanu, a obvykle pracoval v noci pod elektrickým světlem, což mu připadalo „příjemnější“ než sluneční světlo. Většina obrazů Picassa není působivá ve velikosti; “Guernica” může být nazývána výjimkou. Picassovy kresby jsou obvykle nezávislá díla, i když pro své nejvýznamnější obrazy vytvořil řadu předběžných skic.

Názory kritiků na poslední fázi Picassovy práce jsou smíšené. Někteří lidé mají tendenci věřit, že Picasso po skončení druhé světové války nevytvořil nic významného. Jiní věří, že zůstal vynikajícím mistrem až do své smrti. Jeho pozdější díla se vyznačují bohatostí barev a svobodou psaní. Řada odborníků označuje zesnulého Picassa za předchůdce neoexpresionismu, hnutí, které se stalo dominantním v avantgardním umění v 1980. letech.

Nejen malování

Ve své neúnavné snaze rozšířit hranice umění se Picasso obrátil k sochařství a keramice. Jeho práce zde je také skutečně revoluční.

Podle tradičních představ o sochařství mohl být buď vytesán z tvrdého materiálu (kámen, mramor atd.), nebo vytvarován z měkkého materiálu (jako je hlína). Od roku 1912 začal Picasso „montovat“ své sochy z různých materiálů. Takže „Woman’s Head“ (1931) je vyrobena z kuchyňského náčiní a hlava opice („Monkey with a Baby“, 1952) je vyrobena z autíčka.

Picasso se později začal zajímat o keramiku a zjistil, že trojrozměrné keramické předměty mají dvourozměrné povrchy vhodné pro kreslení. Miloval práci s materiálem, který mu umožňoval vytvářet složité tvary, jako je váza ve tvaru ptáka s otevřenými křídly-pažemi a tvářemi namalovanými na hrudi.

Životopis umělce

Umělcovo dílo

Služky cti (Las Meninas) po Velazquezovi

V posledních letech svého života Picasso namaloval několik obrazů podle děl starých mistrů. Mezi nimi je 44 variací „The Maids of Honor“ od Diega Velazqueze. Dílo „Maids of Honor po Velazquezovi“ je velmi odvážnou a nesmírně originální variací na sladké téma. Picasso zachoval kompozici, ale proměnil každý detail. Například Velazquezův obří mastif byl přeměněn na malého psa, pravděpodobně podle vzoru jednoho z Picassových psů.

Plačící žena

V roce 1937, když pracoval na Guernici, Picasso namaloval několik obrázků hlavy plačící ženy. Jedna z postav v Guernici zobrazuje plačící ženu držící v náručí dítě. Během několika měsíců Picasso toto téma rozvinul a vytvořil 17 děl provedených různými technikami. Včetně čtyř olejomaleb. Posledním z nich bylo vyvrcholení jednoho z nejplodnějších období v umělcově životě.

Guernica

Picasso dostal od španělské vlády zakázku namalovat velký obraz pro národní pavilon na mezinárodní výstavě. Umělec začal pracovat až poté, co se dozvěděl o bombardování města Guernica německými spojenci. Picasso nikdy nebyl na Guernici, ale zprávy o zabíjení civilistů Picassa rozhněvaly a vyděsily. Obraz je namalován olejovou barvou v černobílých tónech, čímž připomíná monochromní kroniku hrozných událostí.

Nahá žena v červeném křesle

Tento portrét zobrazuje Marii-Thérèse Walterovou, kterou Picasso miloval tak, jako v životě nemiloval téměř nikoho jiného. Setkali se v roce 1927, kdy se Picassovo první manželství prakticky rozpadalo. Jeho vztah se 17letou Marií-Therese byl neobvykle bouřlivý a smyslný, a proto Picasso maluje její krásné mladé tělo s takovou rozkoší a zdůrazňuje jeho křivky.

viz též

Ivan Nikolaevič Kramskoy – Styl a technika

Současníci vnímali Kramskoy především jako vynikajícího portrétistu. Umělec ve svých dílech vytvořil mnohostranný portrét postreformního Ruska. Kramskoy nebyl jen umělec – byl sběratelem uměleckých sil, kazatelem velmi specifického uměleckého vidění světa, teoretikem umění. Kramskoy byl zakladatelem Společnosti putovních uměleckých výstav, která do značné míry určovala obecný „charakter“ ruské malby druhé poloviny 20. století.

Ivan Konstantinovič Ajvazovskij – Styl a technika

Většina obrazů moře vytvořených Aivazovským jsou „sny“ zrozené z umělcovy představivosti. Teprve v druhé polovině života se pokusil uvést svůj estetický systém do souladu s požadavky realismu. Aivazovsky byl mimořádně plodný umělec. Lví podíl na dílech mají mořské krajiny, více než dvě třetiny tvoří vyobrazení bouří a bouří. Toto je celá encyklopedie moře.

Fedor Aleksandrovich Vasiliev – Styl a technika

Po smrti Fjodora Vasiljeva jeho učitelé a soudruzi řekli, že mohl udělat revoluci v ruském malířství, nebýt jeho brzké smrti. Za svůj tragicky krátký život toho ale umělec stihl opravdu hodně. Svým velkorysým, nesčetným talentem přitahoval pozornost mentorů a studentů. Byl přirovnáván k pohádkovému boháčovi, který své bohatství bezohledně promrhal.

Vasily Dmitrievich Polenov – Styl a technika

Na začátku své kariéry Polenov poměrně intenzivně experimentoval ve svých zralých dílech byl tvůrcem nového žánru, ale jeho hlavní zásluhou bylo, že uměl umělce zacházet s barvami novým způsobem.